De aprendiz a maestro

En 1792 el príncipe elector de Bonn vuelve a financiar un viaje a Viena, ciudad en la que permaneció el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Allí, Beethoven recibió clases de composición con Joseph Haydn, de contrapunto con Johann Georg Albrechtsberger y Johann Baptist Schenk y de lírica con Antonio Salieri.^[5]

Durante este período tuvo varios duelos musicales con otros pianistas. El primero fue en 1792 durante un viaje con la orquesta de la corte, en el cual tocó con Franz Sterkel, ejecutando obras de dicho compositor. En 1800, tuvo lugar el famoso duelo (en el palacio de Lobkowitz) en el que Daniel Steibelt lo retó a que tocasen juntos. En dicha ocasión Beethoven tomó partituras de una obra de éste modificándolas (al mismo tiempo que las iba tocando) con tanta gracia, que Steibelt declaró que no volvería a Viena mientras Beethoven viviera allí y abandonó la ciudad, radicándose en París
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Muerte de la madre

Al poco tiempo su madre enfermó gravemente y su padre le pidió por carta que regresara a Bonn inmediatamente. Murió finalmente de tuberculosis el 17 de julio de 1787. Tras este hecho, Beethoven comenzó a ejercer el papel de su padre dentro del hogar familiar, ya que tras la muerte de su madre, su padre entró en depresión y su dependencia del alcohol se incrementó y por ello fue incapaz de cuidar a sus hermanos menores. A causa de su alcoholismo, Johann van Beethoven fue detenido y encarcelado. Tras esto, el joven Ludwig tuvo que asumir la responsabilidad y se vio obligado a mantener a sus hermanos y a sí mismo, tocando el violín con una orquesta y dando clases de piano durante cinco años, mientras que su padre seguía preso. Su padre falleció finalmente el 18 de diciembre de 1792
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presión familiar

Beethoven encuentra una vía de escape de la presión familiar en 1787 cuando, con 17 años, marcha a la capital austriaca apoyado por su mecenas, el conde Waldstein, quien sufraga los gastos del viaje y, lo más importante, le convence de sus posibilidades de éxito. Parece que durante este viaje a Viena tuvo lugar un fugaz encuentro con Mozart. En relación a este encuentro, solo existen textos de discutible autenticidad. De cualquier modo, la leyenda dice que Mozart habría dicho: «Recuerden su nombre, este joven hará hablar al mundo»
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Todo cambió

El resto de la historia se escribiría en vivo, respaldando las composiciones de un primer álbum que ganaría muchos galardones, Todo cambió. Paralela y curiosamente, el nombre de Camila surgiría fortuitamente para llenarse de significado gracias a su alianza con Sony Music y Westwood Talent. Así, pensando en hacer 30 conciertos por la República Mexicana durante el 2007, Camila no se imaginó que el éxito de sus sencillos "Abrázame", "Coleccionista de canciones" y "Todo cambió" los llevaría a presentarse más de 300 veces a lo largo de dos años. "Llegar a lugares donde no conocen tu cara pero sí tus canciones es un privilegio, lo mismo que hacer dos teatros Metropólitan y un Auditorio Nacional, todos sold out en menos de dos meses", relata Mario.

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Pablo Hurtado

Con sólo un piano de por medio, decidieron incluir la guitarra. El primero en llegar a las audiciones fue Pablo Hurtado (San Luis Potosí). "Faltando año y medio para graduarme recibí una llamada de Mario invitándome a una audición a su estudio", dice Pablo. "Fui al estudio y ahí conocí a Mario y a Samo. Me cantaron 'Abrázame' con guitarra y voz. Acabando, Mario me pasó su guitarra y me dijo 'Ahora tócala tú, acompáñanos'. Estuvimos un par de horas dándole a algunas canciones y a los dos días me llamaron y me invitaron a formar parte del proyecto, como integrante de la banda".

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Mario Domm

Fundado por el multipremiado compositor y productor Mario Domm (Torreón Coahuila), Camila surgió un día cuando, grabando el primer disco de Reyli, llamaron a Samo (Veracruz) para hacer coros. Al probarlo, su timbre, potencia y afinación impresionaron tanto a Mario que lo invitó a trabajar dentro de un ensamble nuevo en donde sus voces se complementarían. "Escuché a Samo a través de las bocinas y éstas retumbaban por su potencia vocal", recuerda Mario.

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No es lo mismo

En el 2001, Alejandro Sanz fue el primer artista español en grabar un MTV Unplugged. Este álbum reportó unas ventas globales de más de 1.300.000 discos en todo el mundo, y obtuvo los 3 premios Latin Grammy más importantes en la Ceremonia de la 3ª edición de estos prestigiosos galardones.

En septiembre de 2003, Alejandro Sanz edita No es lo mismo, el que hasta ahora es su último trabajo discográfico. Alejandro Sanz, junto al músico cubano Lulo Pérez, se encarga directamente de las tareas de producción. No es lo mismo supone un nuevo giro en la carrera de Alejandro Sanz, proponiendo una apuesta audaz e innovadora en cada una de las nuevas canciones del artista.

En 2004 No es lo mismo obtuvo el Premio GRAMMY al mejor álbum de pop latino del año y 3 Premios AMIGO en las categorías de Mejor Artista, Mejor Álbum y Vídeo del año.

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Director

Sin embargo, pese a sus deseos, los músicos decidieron dar por terminadas las actuaciones en unas pocas semanas porque los ingresos eran insuficientes pero antes de ello recibieron la nueva propuesta de tocar en el salón L´Aiglon de Florida entre Cangallo y Bartolomé Mitre durante los bailes de Carnaval con una retribución que permitía formar una orquesta de veinte músicos. Convinieron que si bien la orquesta se mantendría sin nombre como hasta el momento, se anunciaría bajo la conducción de Julio De Caro.

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Cafè colón

Con el principal propósito de continuar juntos ya que se sentían a gusto en la orquesta (que todavía no tenía nombre) aceptaron tocar en el café Colón de Avenida de Mayo y Bernardo de Irigoyen donde les pagaban treinta y cinco pesos por cada tarde de actuación y participar en programas experimentales de Radio Sudamérica, esto último gratis pues buscaban promoción.

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Tocar para la alta sociedad

En diciembre de 1923 un empresario le ofreció a Francisco De Caro que con una agrupación de cinco o seis músicos actuara para las fiestas de fin de año en reuniones en diversas residencias de gran categoría percibiendo la suma de ochocientos pesos por baile, que era muy elevada para la época. Se unió así con Julio, que estaba sin trabajo porque Juan Carlos Cobián había disuelto su conjunto, Emilio De Caro y el contrabajista Leopoldo Thompson más Maffia y Petrucelli. No solamente las presentaciones fueron muy exitosas sino que además la impecable vestimenta de los músicos (smoking, camisa de pechera dura y cuello palomita) más la intachable conducta que mostraron contribuyeron a la definitiva aceptación del tango en la alta sociedad porteña.

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Proyección en el teatro

Continuó en el teatro esa temporada y al mismo tiempo comenzó a trabajar en radio y a grabar discos. Una idea de su éxito la da el hecho de que en su debut teatral le habían pagado doscientos pesos por mes y en la radio comenzó a ganar la misma suma pero por cada audición. En el verano se unió a la compañía de los hermanos Leopoldo y Tomás Simari en el teatro Smart con la obra Ma-chi-fu de César Bourell y en 1924 pasó a trabajar en la obra Cristóbal Colón en la Facultad de Medicina con Florencio Parravicini, famoso por los agregados ("morcillas" en la jerga teatral de la época) que iba introduciendo y variando en cada representación. Esa temporada Maizani estrenó las piezas de José Bohr Pero hay una melena y Cascabel cascabelito y comenzó a grabar con la orquesta de Francisco Canaro

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Inicio

En una fiesta familiar a la que habría ido con Delia Rodríguez, que en ese momento era una conocida cantante, se encontraba Enrique Pedro Delfino acompañando en el piano a todo concurrente que se animara a cantar. Lo hizo Maizani y tal impresión causó en el pianista que la presentó al empresario teatral Pascual Carcavallo que a su vez la escuchó y la contrató. Debutó en el teatro Nacional el 27 de julio de 1923 en el sainete A mí no me hablen de penas de Alberto Vacarezza; no tenía letra, solamente cantaba el tango Padre nuestro compuesto especialmente para ella por Delfino y Vacarezza^[2] acompañada por la orquesta de Salvador Merino y lo hizo con tanto éxito que la noche del estreno el público lo hizo repetir cinco veces

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Azucean Maizani

Vivió en el barrio de Palermo hasta los cinco años de edad en que, debido al parecer a que tenía problemas de salud y que sus padres eran muy pobres, fue llevada a vivir a la isla Martín García por unos familiares. En esa isla que se encuentra en el medio del Río de la Plata, a mitad de camino entre Argentina y Uruguay, hizo sus estudios primarios y a los 17 años regresó a Buenos Aires y se dedicó a la costura trabajando en una fábrica de camisas y en una casa de modas. Le gustaba el canto y, según contó Canaro una noche fue al Pigall donde actuaba y lo convenció para que le permitiera cantar dos tangos en público con su orquesta.^[1] Si bien de ese hecho no se derivó un trabajo, debió fortalecerla en su vocación artística, que comenzó en 1922 en que ingresó como corista en la compañía de los hermanos César y Pepe Ratti que estaban representando la pieza El bailarín del cabaret en el teatro Apolo, con la actuación del cantor Ignacio Corsini

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Enya y su álbun

Mantuvo su éxito en los años 1990 y 2000: su álbum A Day without Rain, de 2000, alcanzó la tremenda cifra de 16 millones de unidades vendidas;^[4] y ella fue nombrada la artista femenina de más ventas en 2001.^[5] Es la artista irlandesa en solitario de mayores ventas totales,^[6] así como, oficialmente, la segunda artista exportadora del país, tras la banda U2.^[7] Las ventas totales de sus álbumes han alcanzado en 2008 la suma de 85 millones de unidades.^[8]

Su trabajo ha merecido, entre otros muchos premios y nominaciones, la nominación a un Óscar por su canción «May It Be».

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The Smashing Pumpkins

Hace cinco años se anunció el retorno de The Smashing Pumpkins. ¿Qué nos puede contar de este proceso?
En ese momento me di cuenta de que perdí a The Smashing Pumpkins por razones erróneas. Eso me llevó a entender que lo que quería realmente era ser parte de esta banda, donde estaba mi corazón. Es como perder una relación y pensar por mucho tiempo que había unas razones para terminar y luego notar que esas razones eran estúpidas y que debes volver. Los últimos 5 años me abrieron los ojos. He visto cosas de mí y del rock. Estoy muy agradecido por esta oportunidad. El tiempo

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'En Smashing estaba mi corazón'

De Billy Corgan no se pueden esperar respuestas cliché. No les dirá a los periodistas colombianos que su sueño "siempre había sido venir".

El líder de The Smashing Pumpkins es un bicho raro, incluso dentro del rock: no busca agradar; sólo deja que hable su honestidad, la misma que lo llevó a decir en los años 90 que el rock había muerto.

Más de una década después de la desintegración de la banda de Chicago -que definió el rock alternativo de esos años-, dos de sus integrantes originales están de gira por el mundo, incluida Bogotá, donde se presentarán el sábado.

Luego de la separación, en el 2000, Corgan emprendió proyectos personales, pero ni su carrera en solitario ni la banda Zwan alcanzaron el vigor del sonido de discos como 'Siamese dream', 'Mellon Collie and the infinite sadness' y 'Adore'.

Con la esperanza de volver a vivir los buenos tiempos, la nueva The Smashing Pumpkins anda en un insólito proyecto: 'Teagarden by kaleidyscope', 44 canciones que escriben y publican casi inmediatamente, lo que rompe cualquier modelo de negocios. El tiempo

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Nana (canción de cuna)

Una nana o canción de cuna es una canción de ritmo suave y relajante, para arrullar a un bebé y ayudarle a dormir. Todas las culturas del mundo tienen sus propias formas de Nana, adaptadas a las estructuras rítmicas y melódicas propias de la música folclórica de la zona. La música culta, ha recogido igualmente el concepto de nana.

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Mirabrás

Como todos los palos derivados de las cantiñas, procede de las soleares de baile, aligeradas en su compás.^[1] Se trata de un estilo de ritmo vibrátil, ondulante, elegante y airoso, para algunos autores uno de los cantes con baile más importantes del flamenco.^[2] Acerca de estos cantes existen varias teorías sobre su origen y antigüedad, siendo la predominante la que sitúa su aparición a comienzos del siglo XIX como bailes festeros del folclore bajo-andaluz,^{[3] [4]} frente a la que los considera derivados de la jota aragonesa, a través de la llamada Jota de Cádiz.^[5]

Hoy en día, el repertorio de letras usadas por los cantaores actuales es bastante limitado. Entre los que han manejado este palo con soltura, cabe citar al jiennense Rafael Romero, gitano de Andújar.

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Media (música)

Se trata de un cante con copla de cinco versos octosilabos de rima consonante, que al cante se suelen convertir en seis por repetición de uno de los dos primeros. Pertenece junto con la granaína al grupo de los cantes de Levante. Su creación se atribuye a Antonio Chacón.[

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Origen del vallenato

El vallenato nace en una vasta región enmarcada por los ríos Magdalena, Cesar y Ranchería, el mar Caribe, la Sierra Nevada de Santa Marta y las estribaciones de la Serranía del Perijá, hace más de 200 años.

Los cantos de vaquería con que los peones de las grandes haciendas acompañaban sus jornadas vespertinas para recoger y encerrar el ganado, fueron la base de lo que más tarde se convertiría en las historias cantadas que derivaron en las canciones vallenatas.

Los primeros acordeoneros de que se tiene memoria fueron a la vez autores de los cantos que interpretaban; cantos que ya tenían una clara diferencia rítmica y una estructura musical propia que les valieron ser clasificados como paseos, merengues, puyas, tamboras y sones. Entonces no había, como hoy, una persona especializada únicamente en componer el canto, otra en ejecutar la melodía en el acordeón y una tercera que los cantara. El acordeonero era un músico integral que con igual destreza hacía sonar el acordeón como interpretaba cantos de su propia inspiración o, en ocasiones, de un tercero. Y hechos los primeros cantos, los acordeoneros se convirtieron en correos cantados, en periodistas musicales, juglares, que iban de pueblo en pueblo y de vereda en vereda llevando la información de los últimos sucesos narrados en los merengues, paseos, puyas, sones y tamboras que cantaban cuando se reunían a descansar y, en ocasiones especiales, a bailar en cumbiambas que se formaban con motivo de las fiestas patronales, entre otras ocasiones. wikipedia

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Características del vallenato

El vallenato o la música vallenata hace parte de la música folclórica de la Costa Caribe colombiana. Es el ritmo musical colombiano que ha alcanzado más popularidad, tanto a nivel nacional como internacional.

Lo que hace característico al vallenato tradicional es ser interpretado sólo con tres instrumentos que no requieren de amplificación alguna: dos de percusión (la caja y la guacharaca), que marcan el ritmo, y el acordeón diatónico (de origen europeo) con el que se interpreta la melodía. No obstante, en algunas ocasiones las canciones se componen o interpretan con otros instrumentos: la guitarra, la flauta, la gaita y el acordeón cromático. Por otra parte, para el vallenato comercial es común no sólo la incorporación de estos instrumentos, sino también del bajo eléctrico y otros de percusión, como las congas y los timbales.

La importancia que adquirió el vallenato en las últimas décadas del siglo XX llevó a la organización de festivales en los que los acordeoneros compiten por el honor de ser declarado el más hábil ejecutor de cada uno de los aires tradicionales (a excepción, inexplicablemente, de la tambora). El más célebre de estos festivales es el Festival de la Leyenda Vallenata, que se celebra anualmente a fines de abril en Valledupar, y cuya primera versión se disputó en 1968. Desde 1987, el Festival Cuna de Acordeones de Villanueva, Guajira, se ha convertido en el segundo de mayor importancia.

En el vallenato el modo de uso del acordeón diatónico requiere usar simultáneamente ambos lados del acordeón. Lo anterior caracteriza al acordeonero colombiano y diferencia al vallenato de los otros géneros musicales con acordeón, donde generalmente se suprime o subutiliza la parte de los bajos (ejecutados con la mano izquierda): En Colombia, la forma armónica y rítmica con que el acordeonero maneja los bajos es un factor relevante de calificación en los festivales vallenatos. wikipedia

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• Acordeón diatónico: Instrumento de origen austriaco, inventado en su forma actual por Kiril Demian en Viena en 1829 y que fue introducido de contrabando por inmigrantes alemanes procedentes de Curazao por Riohacha (en las costas de la Guajira) hacia 1885. Los músicos vallenatos lo modifican para que produzca su caraterístico sonido.^[6]
• Caja: Instrumento de percusión de origen africano. Se trata de un tambor pequeño cuyo parche se fabricaba de buche de caimán, luego de piel de marimonda negra y actualmente de cuero de chivo, venado o carnero. El vaso se hace de un tronco de árbol hueco de 40 cm de alto y 30 cm de diámetro. El árbol debe ser de tronco fibroso, como mucurutú, cañahuate o matarratón.^[7]
• Guacharaca: Instrumento cóncavo de fricción de 40 cm de largo que se elabora del tallo de la uvita de lata. Su nombre proviene de la guacharaca o pava silvestre, ave de monte cuyo canto es similar al sonido que produce el instrumento.^[7] También se utiliza en su lugar el guache.

El vallenato también se interpreta con guitarra y con los instrumentos de la cumbia en cumbiambas y grupos de millo. wikipedia

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Baile del mapalé

El mapalé es una danza de pareja suelta. Se baila con pasos cortos, ritmo acelerado y palmoteo constante de los bailarines. Las rutinas se inician con la formación de dos filas individuales una frente a la otra, por parte de hombres y mujeres, para efectuar avances hacia delante y hacia atrás. Continúa con posturas de exhibición libres e individuales de los hombres con el propósito de agradar a sus parejas, quienes se turnan para corresponder los enfrentamientos. Los movimientos son frenéticos y con un alto contenido de erotismo. Los de las mujeres son un tanto diferentes y se destacan por ser más excitantes y eróticos.

En los compases, se habla de un ritmo binario, con impresionante percusión a dos tonos, con lo cual se buscaba el lucimiento de las parejas. wikipedia

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Vestimenta del mapalé

Dado que surgió en un clima bastante caluroso, y se sigue bailando así, las mujeres bailan por lo regular con vestidos cortos, ceñidos, de colores vivos y con arandelas en hombros y faldas que resaltan el movimiento. Usualmente en las danzas del negro las mujeres llevan faldas cortas, con flequillos o volantes pequeños que adornan el movimiento acelerado de sus caderas. Lucen zapatos planos o van descalzas y portan flores en la cabeza o turbantes sencillos.

Los hombres usan pantalones pesqueros, bayetilla roja y no usan camisa, en algunos casos usan camisa blanca arremangada. wikipedia

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Historia del mapalé

Baile de marcada ascendencia africana propio del litoral Caribe. Fue introducido en tiempos pretéritos a lo largo de las orillas del río Magdalena por pescadores de un teleósteo denominado mapalé. En sus orígenes fue una danza de labor ejecutada en las noches y amenizada con toques de tambores yamaró y quitambre, las palmas de las manos y el canto. Con posterioridad se produjo una transformación de su temática, atribuyéndole un énfasis de regocijo con carácter sexual y asignándole la evolución frenética que hoy presenta. La coreografía actual mantiene rasgos de su esencia africana en la parafernalia, tanto en el vestuario, que es en extremo sencillo, como en la presencia del machete, instrumento de trabajo utilizado para el procesamiento del pescado.

Hay unas definiciones difundidas, algunas de las cuales indican que el ritmo proviene de un festival por la abundancia de un pez.

Es un baile afrocolombiano que surgió en la costa del Caribe colombiana gracias a la influencia cultural de los esclavos africanos traficados durante la conquista de América. El conjunto o ensamble musical consta de tambor alegre, tambor llamador, guache o maracas y tambora.

El mapalé ha sido descrito también como "ritmo del frenesi" y se ha hablado con no menos abundancia de argumentos, de una especie de "brujería" que logra que los bailarines se vayan sintiendo atraídos por algo inexplicable que parece salir de los golpes del tambor o el agudo sonido de una caña, hasta hacerlos caer literalmente hablando, en un desenfreno de pasión, de deseo carnal. Esa es una coreografía muy representada. El mapalé en versión primitiva constituye una bifurcación de los golpes rítmicos empleados para ambientar ritos de diferentes especie entre los negros, de ahí que la versión clásica del ritmo sea percusión sola. Es un sonido que va creciendo hasta lograr por este solo medio el fin propuesto. Como todos los ritmos que ya hemos tratado, el mapalé también se vio de pronto trasladado a los instrumentos de orquestas grandes en la primera mitad del siglo 20, para ser interpretado de una manera que no soñó jamás ninguno de los que pudo bailarlo en aquellas sesiones del pasado más remoto. wikipedia

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Década de los 60's en Mexico

La historia de la cumbia en México es paralela a la del Rock y también se comportó casi de la misma forma.

Dentro del marco tropical mexicano predominaban aún de la década anterior los diversos ritmos tropicales del importados de Cuba únicamente ante el furor del cine mexicano de los años 40's y 50's del género "rumberas", así en el mercado nacional de 1960 predominaban sonidos orquestales de aires de metal de manera común en orquestas de Mambo como la del cubano Pérez Prado, y la Sonora Matancera.

Así pues, dentro de éste panorama surge la que sería precursora del estilo musical tropical mexicano "tipo sonora" en base de sólo aires de metal, es decir predominante de solo trompetas, piano y güiro, derivado de las orquestas cubanas mencionadas, así surge la "Tropical Santanera" de Carlos Colorado proveniente de Barra de Santa Ana, estado de Tabasco formada en 1955, que evoluciona a Sonora Santanera, una orquesta que interpretaba boleros tropicales similares al estilo de la cual se inspira tanto en estilo como en instrumentación, Sonora Matancera, así pues México a través de ésta orquesta, la Sonora Santanera comienza una implantación de estilo bolero tropical que ya había dejado Sonora Matancera que se avocaba a géneros más rítmicos como el guaguancó y la rumba.

Siendo éste estilo tropical predominante en México, de la mano de Luis Carlos Meyer había llegado una de las primeras cumbias a México en la década anterior, "Micaela"

Policarpo Calle, acordeonista de cumbia y vallenato muy popular en Colombia y México con temas como "La Porra Caimanera", "La Cumbia chida", "La Monaguilla", "Leyda", "Se cabrio la Cumbia" "Maria Salome" entre otros, menciona que uno de los primeros que introdujo la cumbia en México fue la mexicana Carmen Rivero,^[4] quien viajó hasta Colombia para aprender cumbia y traerla al país, paralelamente, Mike Laure músico rockero jalisciense empezó con el cambio de su estilo de rockero a un tropicalero declarado, es así que comienza probando suerte en el ritmo que apenas llegaba, la cumbia, ambos, Carmen Rivero y Mike Laure por caminos distintos no sabían que serían las luminarías inmortales que serían el precendente y ellos serían los que crearían la cumbia mexicana.

Aunque al regresar de Colombia, Carmen Rivero traía un repertorio de cumbias de la recién terminada década anterior colombiana, la mexicana Rivero realizó, al igual que Mike Laure una simbiosis de la cumbia traída de Colombia con la experiencia que ambos poseían de distintos ritmos.

Por su parte, Mike Laure, hacia 1959 y 1960, había ya formado su primer grupo que poco tiempo después cambiaría su nombre a "Los Cometas", (homónimo de otro grupo que grababa para CBS Columbia), teniendo como experiencia musical el Rock, Mike Laure realiza una muy particular y reconocida adaptación musical fusión de la cumbia con el rock de la época, aunque Mike Laure separaba las verdaderas percusiones colombianas de la cumbia sustituyéndolas por la batería acústica (por la consecuencia de tener instrumentos para tocar Rock & Roll) por lo que junto con parientes de él, introducen algunos instrumentos protagonistas de la cumbia colombiana, como el acordeón, el saxofón y el clarinete, y como base del compás (haciendo la función de la guacharaca) la batería acústica, añadiendo un instrumento que ya había sido utilizado por los colombianos pero que no fue usado más por la cuestión de que para la época en que se introducía la cumbia en México, la Cumbia por su parte en Colombia comenzaba a perder fuerza, nos referimos a la guitarra eléctrica, que como músico de rock, invariablemente debería usarla dentro de sus grabaciones. wikipedia

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Desarrollo de la cumbia mexicana

Década de los 50's

Hacia los años 40's, 50's y hasta mediados de los 60's, se vivió en Colombia lo que se llamó la "época de oro de la cumbia" que reflejó a escala mundial el folclore del país sudamericano, con diversos éxitos que le dieron identidad por décadas al país con la cumbia más famosa de Colombia, "La pollera colorá" (equivalente a decir en México "la falda roja") pero debido a diversos factores sociales, la cumbia fue perdiendo popularidad debido a la invasión en Colombia de ritmos y música proveniente del extranjero, principalmente del norte del continente, haciendo que la música mexicana en todas su variantes (en español) y la estadounidense (inglés) aunada al furor de ritmos afrocaribeños como la salsa y el merengue entre otras y al apoderamiento del Vallenato como música folclorista que desplazarían casi hasta la extinción al que fuera por mucho tiempo el ritmo nacional colombiano la cumbia, actualmente en colombia es casi nula la grabación y surgimiento de grupos dedicados a ella, y en cambio el Vallenato se ha convertido en símbolo de la música nacional colombiana, relegando la cumbia sólo a eventos nacionalistas y del pasado histórico del país sureño.^[1]

En su época de esplendor en los años 40's y 50's, la cumbia de Colombia fue diseminándose por varios países de latinoameríca siendo más o menos popular en distintos países, principalmente tres países fueron y hasta la fecha, los que más arraigaron popularidad a este ritmo colombiano, Perú, México y Argentina.

La justificación de la adoptación del ritmo de Cumbia en diversos países corresponde a diversas razones, por ejemplo, en la Argentina el ritmo fue adoptado transparentemente debido a que la música de tango utiliza acordeón, por lo que para las agrupaciones argentinas su adoptación era directa, lo mismo sucede con México que utiliza en su música norteña como principal ejecutor al acordeón por lo que también fue directa la fusión con el ritmo colombiano en su música que se dio de manera natural y más tarde también en la cumbia en todo el continente se adoptaría de la música norteña el "acompañamiento" del bajosexto que sería sustituido por la guitarra.

A mediados de los años 50's en México, gozaba de singular éxito la agrupación llamada "Los Cometas" la cual musicalizaba diversos ritmos de música de bolero, tropical cubana, entre otros ritmos cubanos y el foxtrot en sus temas, dicha agrupación grabó para la empresa CBS (hoy Sony Music) divesos éxitos clásicos.

Su particularidad radica en utilizar en todos sus temas el acordeón como base del ritmo de sus temas, así quedan en la memoria del pueblo mexicano de la época los éxitos mezcla de bolero y tropical con acordeón como "Jugando poker", "chupando caña", "¿en dónde está mi saxofón?", "Que se mueran los feos", etc. que darían el precedente del gusto de la música, aunada a la nacional norteña, por la de acordeón, por lo que la asimilación futura de la cumbia que contenía por naturaleza al acordeón, no fuera impedimento para su adopción.

El primer músico colombiano en aventurarse al norte del continente fue Luis Carlos Meyer que decidió después de tener un enorme éxito en Colombia hacer una gira por distintos países vecinos y remontarse hacia el norte del continente llegando por primera vez a México; fue uno de los primeros introductores de la cumbia en el país, dejando esa muestra de la nueva música "tropical" en México grabando a lado de la orquesta de Rafael de Paz y Tony Camargo,^[2] y a su vez de lo aportado por Lucho Bermúdez que introduce otros ritmos colombianos como el Porro,^[3] así otros músicos pocos años después asimilarían el nuevo ritmo colombiano, Meyer continua su escalada hacia Estados Unidos donde finalmente residiría. wikipedia

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Algunas definiciones y variaciones de la cumbia mexicana

La cumbia mexicana igual que su símiles adaptadas de la música colombiana como la cumbia salvadoreña, la cumbia peruana ó la cumbia argentina entre otras, no es una unificación de género único que la identifique ya que estos estilos son muy diversos y variados, de provincia en provincia, de época en época se tienen estilos que una vez que son asimilados por el público y los músicos de cumbia tienen la consecuencia de marcar una tendencia a seguir por nuevas agrupaciones, como la Cumbia Norteña, Cumbia del sureste, Cumbia Mariachi ó la Cumbia Sonidera por citar algunas de sus variantes nacionales, es a su vez una fusión de los folclores adaptados de Colombia con los nacionales como la música norteña, el mariachi, la música banda, música romántica, huapango, son huasteco, y desde luego con ritmos antiguos y modernos del extranjero como el son cubano, salsa, merengue, reggae, ska entre los ritmos afrocaribeños, así como los del folclore boliviano, ecuatoriano, vals y folclore peruano, junto con el rock & roll, hip-hop, rap, Disco 70's, dance, y electrónica, además de que, dichas tendencias han variado según la popularidad de cada unos de los ritmos con lo que se ha fusionado y épocas, también ha variado su rango difusión, comúnmente centroamérica es la principal región extranjera de escucha de cumbia mexicana, pero también se extiende a toda sudamérica donde se ha asimilado el estilo de éste subgénero. wikipedia

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Guinea Ecuatorial

La antigua colonia española de Guinea Ecuatorial tiene una enorme riqueza en las manifestaciones musicales de sus etnias y grupos sociales. La referencia más completa con numerosas fotografías y grabaciones se encuentra en el libro Instrumentos Musicales de las etnias de Guinea Ecuatorial de Isabela de Aranzadi. Editorial Apadena 2009. En cuanto a ritmos modernos, los géneros de este país son el hip-hop, el rap y la mezcla de la música nativa africana con el pop (afropop). wikipedia

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Guatemala

Guatemala es un país rico en música debido a que en ese país se centró la cultura maya. Luego se mezcló con la música europea. Posee dos ritmos musicales conocidos: el son y la guarimba. El instrumento nacional es la marimba declarado símbolo patrio. También tiene otros instrumentos como el tun, la chirimía, el caparazón de tortuga, etc. wikipedia

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Francia

También la cultura latina proviene de Francia, lo mismo que transmitieron los españoles, aunque parte de los estilos musicales en cuanto los folclóricos esto ha influenciado con un mestizaje, principalmente con los de origen africano, esto en algunas de sus antiguas colonias y dependencias como el caso de Haití, la provincia canadiense de Quebec y los territorios o departamentos ultramarinos que todavía quedan en dependencia, como la Guayana Francesa, Martinica, Guadalupe, San Pedro y Miquelón etc.. wikipedia

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Paul Hindemith

Paul Hindemith (Hanau, 16 de noviembre de 1895 – Fráncfort del Meno, 28 de diciembre de 1963) fue un compositor y musicólogo alemán. Su nombre se pronuncia como en idioma alemán: pául (y no como en inglés: pol).

Debido a la oposición paterna a sus ambiciones musicales, abandonó su casa a los once años, además en su juventud empezó a escuchar la viola, piano, percusiones en restaurantes, tabernas y en cafés y teatros para poder pagarse los estudios en el Conservatorio de Fráncfort, manteniéndose a base de tocar en bandas de música.

En 1915, antes de cumplir los veinte años era ya el director adjunto de la Ópera de Fráncfort, puesto que mantuvo hasta 1923. Para entonces, Hindemith ya era un compositor reconocido en los círculos de música de vanguardia. Como organizador desde 1923 del Festival de Donaueschingen, pudo programar obras de compositores contemporáneos como Anton Webern y Arnold Schönberg.

Desde 1927 fue profesor de composición en el Conservatorio Superior de Música de Berlín. En 1929 fundó el cuarteto Amar, en el que tocaba la viola, y con el que realizó numerosas giras de conciertos por toda Europa. También realizó durante toda su vida giras como intérprete solista de violín y sobre todo de viola, ya que adquirió reputación de ser uno de los mayores virtuosos de este instrumento.

Entre 1935 y 1937 fue invitado por el gobierno de Turquía, como asesor para crear un sistema de educación musical al modo occidental. En esos años, y tras la llegada de Hitler al poder, su situación fue haciéndose cada vez más complicada. Su música fue considerada "degenerada" por los nazis, y en 1938 se expatrió en Suiza. Previamente, el director Wilhelm Furtwängler había intentado interceder por él, pero los ensayos de su ópera "Matías el pintor" precipitaron su salida de Alemania. En ésta debieron de influir tanto su cercanía a la música de vanguardia (Joseph Goebbels dijo de él que era "un simple productor de ruidos atonales"), como el hecho de que la mujer de Hindemith fuera hija de un judío, el director de orquesta Ludwig Rottenberg. Tras un periodo en Suiza, en 1940 emigró a Estados Unidos, donde enseñó composición musical en las universidades de Yale y de Harvard. En 1948 se nacionalizó estadounidense, pero regresó a Europa en 1953, estableciéndose en Zúrich, en cuya universidad dictó la cátedra de musicología. En sus últimos años, Hindemith desarrolló una importante carrera como director de orquesta. De este trabajo queda el testimonio de numerosas grabaciones. wikipedia

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Influencias de Karl Amadeus

Hartmann no siguió ningún sistema o escuela particular, tampoco fue profesor. Su individualidad se desarrolló a partir de variadas fuentes. Hay lazos con Anton Bruckner en la amplitud de sus planes sinfónicos y también una tendencia hacia Mahler en las obras precedentes a la Primera Sinfonía (1937). Sus afinidades con Max Reger fueron más obvias, sobre todo en la rítmica marcada, en los temas fugales neo-barrocos y en la ocasional densidad sonora.

Otros elementos importantes sobre su estilo provienen de Stravinsky y Bartok. Aunque Webern fue uno de sus maestros, no tuvo una influencia inmediata sobre la música de Hartmann. No obstante su ejemplo afectó la preocupación de Hartmann por el detalle. Una última influencia provino de Blacher. Pero Hartmann no imitó a estos modelos ni fue un ecléctico. Más que nada los empleó como estímulos creativos combinándolos con cierta independencia. wikipedia

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Karl Amadeus Hartmann

Karl Amadeus Hartmann ( Múnich, 2 de agosto de 1905 - 5 de diciembre de 1963,) Compositor alemán del siglo XX. Fue conocido principalmente por su labor difusora de la música de su tiempo y por sus obras orquestales, especialmente sus sinfonías.

[editar] Biografía

Hartmann estudió con Robert Haas en la Academia de München (1924-27), fue alumno de Hermann Scherchen, quien tuvo una influencia decisiva en su posterior desarrollo. Durante el régimen nazi, se retiró de la vida musical germana y no permitió que sus obras se interpretaran en su país, a pesar de que en el extranjero iba ganando fama.

En 1933 su Concertino fue estrenado en Estrasburgo y dos años después la sinfonía Miserae se presentó en el festival ISCM en Praga. El primer cuarteto para cuerdas recibió el primer premio en la competencia Carillon de Ginebra de 1936. Un año más tarde la cantata Friede-Anna 48 recibió una distinción en Viena y en 1939 la sinfonía L’Oeuvre fue estrenada en Lieja. Al año siguiente el Concerto Fúnebre fue estrenado en St.Gall. Sin embargo, todas estas obras fueron retiradas por Hartmann después de estudiar entre 1941 y 1942 con Webern.

Inmediatamente terminada la guerra, Hartmann fundó la serie de conciertos Musica Viva en München, un proyecto que rápidamente tuvo resonancia internacional y que estableció el modelo para muchas empresas similares. No fue hasta el estreno en Darmstadt de la Symphonische Ouverture (otra partitura posteriormente retirada) en 1947, que Hartmann comenzó a tener una reputación en Alemania como compositor. Varios premios se sucedieron entre 1950 y 1962, tanto en Alemania como en el extranjero. wikipedia

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La bandola

La bandola es un instrumento musical de cuerda, hecha en madera, descendiente de los instrumentos árabes de la península ibérica que llegaron a las Américas. Hay varios tipos de bandola:

• la bandola llanera (4 cuerdas)
• la bandola andina colombiana (6 órdenes dobles o triples, los 4 primeros, para 12 o 16 cuerdas)
• la bandola oriental (4 órdenes dobles).
• la bandola cordillerana (guariqueña)

La bandola es un instrumento con un sonido alegre, que sirve para tocar canciones tradicionales de la zona en donde se toca. En la música colombiana se acompaña de un tiple y una guitarra. En Europa occidental se utiliza un instrumento muy parecido la llamado mandolina. En Venezuela y Colombia se ejecutan de manera muy completa y fuerte, dándole un carácter de bravura. ^{[cita requerida]}

La bandola llanera originalmente era un instrumento acompañante en el joropo, denominada “pin-pon” por corresponderle llevar el ritmo de los bordones, hasta que en fechas relativamente recientes se posicionó como instrumento melódico gracias al virtuosismo de destacados ejecutores.

Los bandolistas más destacados en Venezuela son: Anselmo Lopez, Juan Esteban Garcia, Hector Hernandez, Juan Carlos Silva, Moises Torrealba, Pedro Castro,Ismael Querales, Saúl Vera. También podemos agregar como Bandolistas destacados en Colombia: Don Pedro Florez, Luis Quinitiva, Yesid Benitez, entre otros wikipedia

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